De todas las trituradoras que surgieron en los años 80, jose satriani es quizás el guitarrista cuyo estilo está más arraigado en la historia del rock clásico y el blues, algo que tanto Mick Jagger como Deep Purple captaron claramente, ya que estuvo de gira con ambos grupos. Su supergrupo de rock posterior, Chickenfoot, con Sammy Hagar en la voz, dejó en claro que Satriani se sentía tan cómodo en una banda como al frente de su propia música.
«Ser parte de una banda es una disciplina muy diferente a estar al frente de mi propio material en solitario», explica Satch. «Puede ser un poco de alivio cuando tienes un líder nato como Sammy Hagar o Ian Gillan, y te das cuenta, Oh, puedo pasar el rato aquí cerca del baterista. Es agradable para una persona como yo, que es tímida. Sin embargo, si ha tenido esos momentos en los que ha tocado su propia música instrumental frente a 90 000 personas y lo han vitoreado, esa retroalimentación es muy poderosa. No obtienes esa conexión directa de la audiencia con tu propia música cuando eres parte de una banda».
Como solista, Satriani ha acumulado un cuerpo de trabajo que ha superado los límites de la música rock instrumental, sin depender nunca de la experiencia técnica a expensas del contenido emocional. «Es tan fácil escribir canciones complicadas», dice. «Coges una partitura y rellenas los puntos. Luego encuentras algunos músicos locos que están dispuestos y son capaces de tocarlo, y dices: ‘Mira, esto es tan complicado, ¿no es genial?'»
Él ríe. «Cuando intentas tocarlo en vivo, ¿qué haces? Básicamente estás ocupado todo el tiempo, solo interpretando las partes. Es muy diferente ir a ver una banda como Free: Hay cantante, bajo, batería y guitarra. Pueden moverse con la audiencia; no están empantanados con partes ridículas”.
Cuatro de las selecciones de canciones de Satriani son favoritas establecidas desde hace mucho tiempo que los fanáticos esperan escuchar en cada espectáculo. Y no han perdido su frescura para Satch, incluso después de casi 30 años tocándolos. «Todavía estoy tratando de hacerlo bien», dice, con una sonrisa. «Estoy muy agradecida de tener una audiencia que me permite tocar esas canciones y refinarlas cada vez que las toco. Muchas veces, las grabaciones son los primeros intentos de una canción, y hay cosas que evolucionan a medida que las tocas en vivo. Siempre respetamos la canción tanto como podemos. Siempre le digo a la banda que tenemos que ser específicos.
«Cada canción no es una oportunidad para mostrar tus habilidades. No estamos en una banda de fusión tocando en un club; somos una banda de rock tocando en un gran escenario. Nuestro público conoce estas canciones, así que respetemos eso. Las canciones en realidad permiten la interpretación debido a la delicadeza en la forma en que están arregladas».
1. “Surfing With the Alien” de ‘Surfing With the Alien’ (1987)
«Esta fue definitivamente la canción que me presentó a una audiencia mundial y creo que, en retrospectiva, probablemente fue la mejor canción para hacer esa presentación. Cuando empezamos a grabar, no sabíamos que ese sería el título del álbum o que sería la primera pista. Simplemente nos estábamos divirtiendo, a todos se les ocurrían grandes ideas y se convirtió en la elección obvia para abrir el disco.
“Cuando lo terminé, pensé que era una representación de todo lo que me gusta de tocar la guitarra. Tenía algo de Hendrix y Chuck Berry, un poco de todo; era natural. No estaba oscuro ni melancólico, y no sonaba como si me estuviera subiendo a un carro en particular.
No sonaba como si me estuviera subiendo a un carro en particular
jose satriani
«Creo que Relativity, la compañía discográfica, se estaban rascando la cabeza porque no me veía bien. [laughs] Tuvieron Steve [Vai] En el momento, y se veía perfecto, siempre lo hace, para el papel del dios de la guitarra. Fue divertido y desgarrador hacer el álbum; Tuvimos algunos obstáculos terribles que superar. No teníamos suficiente dinero para terminarlo en un punto. Tuvimos que dominarlo dos veces, porque había una discrepancia en el equilibrio de izquierda a derecha que no estaba preparado para aceptar.
«El día que estábamos terminando la pista en sí, realmente estaba improvisando para encontrar algo para el final. Habíamos estado usando un Armonizador Eventide, que se estropeaba constantemente, y no podíamos controlar la alteración del tono estéreo. Los fallos de funcionamiento hicieron que nos retrasáramos, por lo que los chicos que habían reservado la próxima sesión estaban literalmente parados allí mirándome, esperando a que terminara. Realicé el solo final con la palanca vibratoria frente a una audiencia hostil. [laughs] Habría cambiado muchas cosas sobre el álbum si hubiéramos tenido un presupuesto mucho mayor, pero en cuanto a si hubiera obtenido un mejor resultado, nadie puede saberlo».
2. “Volando en un sueño azul” de ‘Flying in a Blue Dream’ (1989)
«Siento que la estructura de esta canción, musicalmente, es extremadamente única. Cada vez que escribo una canción, siempre lo hago pensando que puedo hacer algún tipo de innovación en la que nadie haya pensado, tal vez algunos acordes o alguna yuxtaposición de ideas que no se habían usado antes. Esta canción encarna ese espíritu de experimentación en muchos niveles. Utilicé una afinación en fa abierta para las guitarras rítmicas y afiné mi bajo P del 64 hasta un C bajo. No sé por qué no compré una guitarra de cinco cuerdas para resolver ese problema. [laughs]
Quería recrear el sentimiento de una gran melodía de la era del jazz-pop.
jose satriani
[Producer] «John Cuniberti, quien programó la caja de ritmos, quería probar lo que era un enfoque realmente moderno en ese entonces: no usar rellenos y seguir el bajo y guitarras acusticas, que se repetían constantemente de forma minimalista. Entonces no lo llamábamos ‘techno’, pero el enfoque iba en ese sentido.
«Pensé que, para la melodía, quería recrear el sentimiento de una gran melodía de la era del jazz-pop. Cuando Sinatra o Tony Bennett cantaban una canción, comenzaban en un tono bajo de conversación, luego las notas subían a través del registro. Y eventualmente, cuando llegaran a las últimas líneas de la historia, ese sería el coro y las notas más altas de la melodía. Pensé que era una forma muy elegante de contar una historia, en lugar de comenzar con 10. Eso me obligó a concentrarme realmente en cómo puedo hacer que mis dedos comuniquen una hermosa melodía a una audiencia, para inspirarlos realmente.
“El comienzo de la canción surgió por accidente; no pudimos deshacernos del ruido y la interferencia de RF: TV, radio o lo que sea. Un día nos reíamos de cuántas estaciones de TV podía marcar con mi control de volumen y comenzamos a escuchar a este niño hablando. John presionó ‘grabar’ y resultó que estaba justo al comienzo del carrete de la cinta. Entonces los acordes de guitarra llegaron por encima. Fue una gran coincidencia. El solo Fue solo un estallido de locura que toqué después de unas copas de vino. A menudo pienso que podría hacerlo mucho mejor ahora, pero definitivamente tiene la vibra”.
3. «Canción de verano» de ‘The Extremist’ (1992)
«Fue difícil elegir la tercera canción para esto, ya fuera por lo que significaba más para mí o por lo que llegaba a la mayoría de las personas, porque eso es lo que realmente define tu carrera: lo que la gente escucha. Yo estaba en una gira promocional para Surfeando con los extraterrestres con un tipo de promoción de radio de Relativity Records, y le pregunté cuál pensaba que sería el próximo paso, en cuanto a su carrera, para llegar a más personas. Él dijo: ‘Sigue haciendo lo que estás haciendo. Todo lo que necesitamos es esa canción de ‘verano’. Si puedes encontrar una pista que encapsule la vibra del verano, sería mucho más fácil llevar una pista instrumental a una estación de radio de rock and roll.
«Estaba trabajando en esa idea, y comencé a concentrarme en el ritmo y los dos acordes, y dejé que la película corriera en mi cabeza: conducir, divertirme, salir de la escuela… chicas, ¿sabes? [laughs] Fue difícil de grabar. La primera vez que lo intentamos, fracasó; simplemente sonaba un poco desordenado. Volvimos a reunirnos en otro estudio, y era demasiado como ‘Surf.’ Teníamos una caja de ritmos y simplemente no funcionaba. Conseguimos a los hermanos Bissonette, Matt en el bajo y Gregg en la batería, pero aún así no pudimos lograr la vibra en vivo. Así que decidimos usar la pista que ya teníamos con la caja de ritmos e hicimos que Gregg la tocara. Realmente lo consiguió.
«Andy Johns estaba produciendo y trabajó con Gregg para lograr la sensación exacta. La canción no había sucedido hasta ese momento. Cuando lo tocamos para la compañía discográfica, no lo entendieron. Hicimos un video que MTV no quiso reproducir, pero entró Sony y me ofreció un comercial. Durante los premios MTV, reservaron dos espacios durante cada pausa publicitaria y la canción se reprodujo unas 10 veces esa noche, y eso la convirtió en mi mayor éxito de radio internacional».
4. «Canto de la multitud» de ‘Super Colossal’ (2006)
«Después de años de gira, solíamos rascarnos la cabeza en el autobús después de los shows sobre cómo, cada vez que intentaba hacer una llamada y respuesta, solo obtenía gemidos y gruñidos de la audiencia. Parecían zombis o algo así. [laughs] Estábamos pensando que, obviamente, debo estar tocando las notas equivocadas y no pueden seguir lo que estoy haciendo.
“Finalmente, decidimos que no saben qué cantar porque no están preparados para ello. Estaba trabajando en la ‘Pavane’ de Fauré y buscando una manera de usarla en una canción, cuando de repente me di cuenta de que podía combinarla con mi idea de participación de la multitud, ya que era una melodía tan hermosa que habían quiero cantarlo. Hice una demostración larga, tocando lo que pensé que era genial, luego todos los días volvía a hacerlo, haciéndolo más y más simple. Me di cuenta de que las cosas simples eran más divertidas, como las pentatónicas, por ejemplo. Por supuesto, la ‘Pavana’ estaba en un tono menor, así que estaba combinando la alegría y la tristeza.
«Nos preguntamos si podríamos hacer que la multitud sonara bien. Teníamos unos 10 músicos que podían cantar y un montón de otras personas, niños o lo que fuera, para seguirnos. Hicimos una toma que sonó muy bien. Cuando agregamos la segunda toma, sonaba como cien personas, y la tercera sobregrabación sonaba como mil. Después de unas siete pasadas sonaba inmenso. [laughs] Originalmente se llamaba ‘Party on the Enterprise’, con algunos bucles del antiguo Star Trek Serie de televisión, pero Sony tenía miedo de ser demandado, por lo que no podíamos usarla. Se ha convertido en una gran canción bis”.
«Este fue concebido y grabado muy rápidamente. Originalmente estaba destinado a ser una canción vocal. Estaba imaginando al cantante teniendo una crisis: camina frenéticamente por las calles en medio de la noche, cuando se enfrenta a una deidad femenina, que le dice que el amor es la respuesta. Expliqué todo el concepto cuando estábamos haciendo el álbum, pero creo que abrumó a todos y no pudimos lograr que funcionara como una pista vocal.
«El productor dijo que es una lástima que no podamos hacerlo como instrumental, pero pensé que sería muy difícil hacerlo funcionar, ya que la estructura de la canción tenía muchas repeticiones para permitir la letra. Trabajé en él, y en realidad fue muy desafiante tocar una melodía instrumental encima de un guitarra rítmica parte donde hay una curva realmente incómoda. [laughs] Parecía que las cosas estaban desafinadas. Estaba doblando la cuerda D en el cuarto traste de una guitarra de 12 cuerdas. Me creé un campo minado a la hora de poner la melodía encima.
«La razón principal por la que elegí esta canción para esta lista fue que fue un gran descubrimiento de tocar la guitarra a medida que avanzaba en la construcción de la pista, y sentí que, para cuando terminara, me convertiría en un mejor guitarrista. . No hubo nada en él que fuera particularmente difícil desde un punto de vista técnico, pero lo más difícil para cualquier músico es captar realmente el contenido emocional de lo que estás tratando de expresar. Siempre quiero trascender los aspectos técnicos de la guitarra para mover a la gente».
